Le geste mineur

A comprehensive overview of the unique work of the Italian artist born in 1931 and "discovered" late on the international scene, with numerous texts and an interview.

Published after the eponymous exhibition at Consortium Museum, Dijon, April 26th – September 8th 2024.

Born in Naples, Italy, in 1931, Isabella Ducrot is a young artist with a young career. Like many women of her generation, she moved into art after raising her children. Her formative years were marked by continuous travels with her late husband, during which they amassed hundreds of Persian miniatures and rare antique textiles of many kinds.

Contributions by Franck Gautherot & Seungduk Kim, Verena Lueken, Tobias Pils, Tschabalala Self, Andrea Viliani, Miranda Fengyuan Zhang.

This first monograph includes all of Van der Stokker's murals and most of her drawings.

In an interview in this collection of Van der Stokker's wall paintings and drawings, John Waters says, 'Millions of teenage girls have drawings that are good, but no one ever tells them that they are'. Van der Stokker celebrates teenage girlishness, and has since 1983 found both immense support and immense rejection within the art world community. Includes interviews with Van der Stokker and a complete presentation of her works in situ, printed on full-page spreads on quality mat paper.

Dutch-born van der Stokker (1954, Hertogenbosch), active artist-gallery owner on the East Side of New York in the 80's, now lives between Amsterdam and New York. She developed pictorial murals with happy candy-coated slogans that incited acid sarcasm from her contemporaries.

Texts by Anne Pontégnie, Éric Troncy, John Waters/Charles Esche, Mirjam Westen, Amy Kellner.

An anthology of text and graphic scores to be used while walking, from Fluxus to the critical works of current artists, through the tradition of experimental musicand performance, gathered and presented by Elena Biserna.

Walking from Scores is a hundred or so collection of non site-specific protocols, instructions and textual and graphic scores centred on walking, listening and playing sound in urban environment. It explores the relationship between art and the everyday, the dynamics of sound and listening in various environments and the (porous) frontiers between artists and audiences. It starts with two premises: an interest in walking envisaged as a relational practice and tactic enabling us to read and rewrite space; an interpretation of scores understood as open invitations and catalysers of action in the tradition of Fluxus event scores.

With scores and texts by Peter Ablinger, Milan Adamčiak, G. Douglas Barrett, Elena Biserna, Blank Noise, George Brecht, Cornelius Cardew, Stephen Chase, Giuseppe Chiari, Seth Cluett, Philip Corner, Viv Corringham, Bill Dietz, Amy Dignam, David Dunn, Haytham El-Wardany, Esther Ferrer, Simone Forti, Francesco Gagliardi, Jérôme Giller, Oliver Ginger, Anna & Lawrence Halprin, David Helbich, Dick Higgins, Christopher Hobbs, Jérôme Joy, katrinem, Debbie Kent, Bengt af Klintberg, James Klopfleisch, Milan Knížák, Alison Knowles, Takehisa Kosugi, Jirí Kovanda, Anne Leilehua Lanzilotti, Bob Lens, Ligia Lewis, Alvin Lucier, Walter Marchetti, Larry Miller, iLAND/Jennifer Monson, Max Neuhaus, Alisa Oleva, Pauline Oliveros, Yoko Ono, Open City & Emma Cocker, Nam June Paik, Michael Parsons, Ben Patterson, Cesare Pietroiusti, Mathias Poisson, Anna Raimondo, Pheobe riley Law, Jez riley French, Paul Sharits, Mieko Shiomi, Mark So, Standards, Nicolas Tardy, Davide Tidoni, Ultra-red, Isolde Venrooy, Carole Weber, Manfred Werder, Franziska Windisch, Ben Vautier, La Monte Young.

Elena Biserna is a scholar and independent curator based in Marseille, France. She is associate researcher at PRI SM (AMU / CNRS) and TEAMeD (Université Paris 8). Her interests are focused on listening and on contextual, "situated" art practices in relationship with urban dynamics, sociocultural processes, the public and political sphere. Her writings have appeared in several publications. As a curator, she has collaborated with different organisations and presented her projects internationally.

L'édition inédite et définitive (établie à partir des tapuscrits originaux en français) du traité fabuleux du philosophe tchéco-brésilien Vilém Flusser (1920-1991), une fiction philosophique et poétique qui, par des chemins détournés, nous confronte à la violence et à l'impasse des sociétés contemporaines.

Un monstre venu des profondeurs de l'océan, un poulpe vampire. Sa violence rappelle les nazis, ses mœurs sont libertaires et libidineuses. C'est une créature infernale, cannibale et brutale, pouvant changer de couleur à volonté, et dotée de trois pénis.
Et c'est notre cousin.

Dans cette fable fantastique, Vampyroteuthis infernalis émerge, non des abysses de l'océan, mais du plus profond de nous-mêmes pour nous tendre un miroir, nous montrer à quel point nous, les hommes, sommes ses proches parents et que nos histoires, nos sociétés, nos modes de vie ne sont, au fond, pas si différents.
Ce texte délibérément provocateur du philosophe tchéco-brésilien Vilém Flusser (1920-1991) n'est ni scientifique, ni objectif : c'est une fiction philosophique et poétique qui, par des chemins détournés, nous confronte à la violence et à l'impasse des sociétés contemporaines.

Flusser avait écrit ce texte en français (outre des versions en allemand et en portugais), et ce livre est la première édition du texte original en français. Il est accompagné des fantastiques dessins de son ami l'artiste et « zoosystémicien » français Louis Bec (1936-2018), co-auteur du livre, traduisant en images pseudo-scientifiques les chimères vampyroteuthiques.

Des essais de Marc Lenot, Élise Rigot et Florent Barrère éclairent la démarche de Flusser et de Bec.

‘May my story be beautiful and unwind like a long thread . . .’, she recites as she begins her story. 

The storyteller is the living memory of her time: at once an oracle, weaver, healer, warrior, witch, protectress, teacher and great mother. Her powers are to do with passing on – not only the stories but transmission itself: ‘what grandma began, granddaughter completes and passes on to be further completed.’

In contrast to the idea that a story is ‘just a story’, pioneering postcolonial feminist theorist and filmmaker Trinh T. Minh-ha recodes ideas about truth and fantasy to tell a different story about power, civilisation, history, medicine and magic. Grandma’s Story shows how creative speech is connected to women’s powers of enchantment, drawing upon and speaking with storytellers including Theresa Hak Kyung Cha, Clarice Lispector, Maxine Hong Kingston, Leslie Marmon Silko and Zora Neale Hurston – all who may be known as ‘she who breaks open the spell’. 

The story as a cure and a protection is at once musical, historical, poetical, ethical, educational, magical, and religious.

Un essai consacré au travail de la chorégraphe et danseuse Jennifer Lacey et de la plasticienne et scénographe Nadia Lauro, qui rend compte de l'univers visuel des deux artistes au travers de nombreuses illustrations.

Dans cet essai, Alexandra Baudelot s'attache à saisir l'ensemble des œuvres co-écrites par la chorégraphe Jennifer Lacey et la plasticienne et scénographe Nadia Lauro, en observant de quelle manière elles s'architecturent les unes aux autres pour constituer des extensions inédites d'une forme artistique vers une autre.

Elle les observe à la manière de parcours envisagés comme des supports d'expériences cherchant à déborder constamment ses propres cadres de représentation. Ceci afin de saisir les politiques mises en jeu pour penser le corps, sa place dans un environnement fictif ou quotidien, son impact dans les enjeux chorégraphiques contemporains et ses liens avec notre époque.

L'espace de cet essai se prête également à l'univers visuel des deux artistes qui se livrent ici à un jeu de construction entre l'exploration d'images d'archive, de déclinaisons de projets inédits et périphériques aux pièces publiques, d'illustrations, et d'exposition d'un portfolio de dessins.

Originaire de New York, la chorégraphe et danseuse Jennifer Lacey est établie à Paris. Depuis 1991, elle a développé son propre travail chorégraphique qui a été présenté aux États-Unis (P.S. 122, The Kitchen) et en Europe (Klapstuk Festival, Vienna Festival, Danças na Cidade, Biennale d'art contemporain de Lyon, Big Torino). Depuis qu'elle réside en France, elle a créé et présenté plusieurs œuvres : $Shot (Lacey / Lauro / Parkins / Cornell), Châteaux of France no. 2 et no. 3, un projet conçu en collaboration avec Nadia Lauro, et Prodwhee!, une série de courts modules. En 2002, elle a été accueillie en résidence aux Laboratoires d'Aubervilliers. Jennifer Lacey a collaboré à différents projets avec de nombreux artistes : Loïc Touzé, Boris Charmatz, Emmanuelle Huynh, Benoît Lachambre, Catherine Contour et Latifa Laâbissi. Elle développe actuellement ses créations au sein de l'association Megagloss.

Nadia Lauro est artiste visuelle et scénographe basée à Paris. Elle développe son travail dans divers contextes et conçoit des environnements, des installations visuelles et des costumes pour différents projets chorégraphiques. Outre Jennifer Lacey, elle collabore notamment avec les chorégraphes Ami Garmon, Vera Montero, Benoît Lachambre, Frans Poelstra, Barbara Kraus, figures de la danse contemporaine en Europe. En 1998, elle fonde avec l'architecte paysagiste Laurence Crémel l'association Squash Cake Bureau – scénographie et paysage au sein de laquelle elle conçoit des installations paysagères et du mobilier urbain. Elle a également créé la scénographie de plusieurs défilés de mode.

A meditative reflection on language and its loss.

How does one language inherit another? Defeat, erase or live through another? How to speak dead is Walid Sadek's meditative reflection on language, dead or victorious. At heart, beyond defeat and victory, it is a reflection on how one can approach a speaking that is of neither a living language nor a dead one. A speaking that knows loss and knows it is woven into every uttered word, every spoken sentence. A loss that becomes syntax.

"There, where the battle is lost and won and where, after the hurly-burly is done, we may approach a speaking that is of neither a living language nor a dead one. A speaking that knows loss and knows it is woven into every uttered word, every spoken sentence. A loss that becomes syntax."
Walid Sadek

Walid Sadek (born 1966 in Beirut) is a Lebanese artist and writer. He is a professor at the Department of Fine Arts and Art History of the American University of Beirut.

In many places around the world, the freedom to simply care for one another is under attack by the powerful, and acts of solidarity are being made illegal. In a moment of struggle defined by the rollback of social welfare programs, the criminalisation of migration, and the right-wing clampdown on bodily autonomy, radical networks of care are fighting back.

From volunteer rescue boats in the Mediterranean to underground labs for preparing gender-affirming hormones, from the sharing of copyrighted health knowledge to the provision of abortion and contraception, people are reclaiming the means to care for one another in defiance of a system that devalues and exploits the labour of care.

Against atomised despair, Pirate Care shows that fighting back isn't only about legal and legislative changes but also about organizing, direct action, and disobedient care.