Les sculptures et les films de Judith Hopf sont alimentés par des réflexions sur les relations que les êtres humains entretiennent avec la production et la technologie. Pour Énergies, sa première exposition monographique en France qui eut lieu conjointement à Paris à Bétonsalon et au Plateau, Frac Ile-de-France, l’artiste s’est concentrée sur cet élément invisible dont la quête accompagne notre quotidien et nos activités, produit par la conversion de ressources naturelles en puissance. Ce catalogue réunit des reproductions de dessins inédits, un entretien avec l’artiste et un texte critique de Tom Holert qui fait retour sur vingt années de travail.

Judith Hopf's sculptures and films are fuelled by reflections on the relationship human beings have with production and technology. For Énergies, her first solo exhibition in France, held jointly in Paris, at Bétonsalon and Plateau, Frac Ile-de-France, the artist focused on this invisible element whose quest accompanies our daily lives and activities, produced by converting natural resources into power. This catalog features reproductions of previously unpublished drawings, an interview with the artist and a critical text by Tom Holert, looking back over twenty years of work.

Textes / Texts
- François Aubart, Xavier Franceschi et Émilie Renard, "À propos d’énergie, d’amour et de chansons : conversation avec Judith Hopf"
- Tom Holert, "Changements de rythme : La méthodologie énergétique de Judith Hopf"

- François Aubart, Xavier Franceschi et Émilie Renard, "On Energy, Love, and Songs: Conversation with Judith Hopf"
- Tom Holert, "Changing Pace: Judith Hopf’s Energetic Methodology"

Traduction / Translation
Jean-François Caro
Louise Ledour

Typesetting : Olivier Lebrun

En sortant de l’école d’art, Élise Legal parcourt un monde de crises économiques, d’absurdités politiques et d’angoisses écologiques. Un monde dans lequel elle doit désormais légitimer sa démarche artistique dans des dossiers qui en font une fiction.

Problèmes de localisation contient sept textes, composés d’analyses critiques, de récits personnels et de poèmes, qui racontent cette entrée dans un environnement où circulent les corps, les marchandises, les informations et les capitaux. Élise Legal s’y déplace en voiture, en co-voiturage, en train, en bus ou en avion, découvrant ce que ce monde de transaction et de fluidité fait au langage. Elle cherche à comprendre comment il est incarné, échangé et habité dans les voix des pilotes d’avion, des startupers ou du président de la République, dans les textes de loi, les formulaires de demandes de bourses, la parole de ses enseigant·es, dans les textes de théorie critique comme dans la poésie des banquiers.

Élise Legal est artiste et autrice. Elle a étudié à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon et au Sheffield Institute of Arts. À travers une approche pluridisciplinaire qui mêle images trouvées, dessin et poésie, elle porte une attention particulière à la manière dont le langage et les corps coexistent. Elle poursuit également une thèse de recherche-création à Paris 8 qui porte sur l’agir politique de la poésie.

Graphisme : Olivier Lebrun

« La société n’existe pas » : la formule de l’ancienne Première ministre britannique Margaret Thatcher est restée célèbre. On connaît moins ses ramifications en images, de la guerre civile anglaise du XVIIe siècle jusqu’à l’art contemporain en passant par la culture populaire en Grande-Bretagne. De photographies en affiches, de manuscrits en frontispices, ce livre traverse l’histoire pour cerner les échos visuels du thatchérisme. Son point de départ est une pièce de l’artiste Jeremy Deller : la reconstitution d’une bataille ouvrière entre mineurs grévistes et policiers survenue en 1984. Maxime Boidy en extrait une série de scènes qui sont autant d’infléchissements de l’idée de « corps politique ». Ce faisant, il dessine la discrète et brûlante actualité de ces formes symboliques, à l’heure de la guerre civile qu’a imposé le thatchérisme globalisé.

Maxime Boidy est enseignant-chercheur en études visuelles. Il s’intéresse principalement à l’histoire des savoirs de l’image et à l’iconographie politique sous toutes ses formes.

Dans son atelier, qui est aussi son salon, Frances Stark se demande si elle ne serait pas devenue une Femme au foyer. Elle observe avec amusement et lassitude les artistes hommes qu’elle associe à la figure des Architectes parce qu’ils séparent production artistique et activité ménagère, art et décoration et qu’ils ont la chance de pouvoir quitter l’espace domestique pour aller créer ailleurs.

Frances Stark réfléchit à son expérience quotidienne, la mêlant à des réflexions sur des habitations construites par R.M. Schindler et Jorge Pardo, l’essai Critique comme artiste d’Oscar Wilde, le livre Une chambre à soi de Virginia Woolf ainsi que des déclarations de Daniel Buren, d’Adolf Loos, d’Otto Weininger, ou encore de Ludwig Wittgenstein. Elle livre ainsi ses pensées, vives et sagaces, sur les espaces d’exposition, les maisons, les chambres à coucher, les coussins décoratifs, en prenant aussi en compte les couples hommes-femmes qui les utilisent, s’y rencontrent, s’y unissent et s’y séparent.

Une récente enquête menée dans les écoles d’art et de design francophones aboutit à un constat étonnant : beaucoup d’étudiante·s affirment que l’artisanat est l’avenir de l’art et que les sorcières détruiront le patriarcat. Iels s’approprient un imaginaire composite mêlant fantasy et moines copistes, herboristerie médiévale et communalisme. Dans le même temps, des slogans en latin sont tagués sur les murs par de jeunes révolutionnaires. Des remèdes au capitalisme pourraient-ils se trouver dans le monde qui précéda son avènement ? Pour sonder cet imaginaire politique et artistique construit sur un passé lointain, Clovis Maillet et Thomas Golsenne analysent des œuvres contemporaines, des sources médiévales et la pensée de Silvia Federici et William Morris qui, chacun·e à leur endroit, proposent une vision du Moyen Âge émancipatrice.

Maître de conférences en histoire de l’art et études visuelles à l’Université de Lille, ancien directeur de l’unité de recherche Bricologie à la Villa Arson à Nice, Thomas Golsenne a publié Carlo Crivelli et le matérialisme mystique du Quattrocento (2017).

Professeur·e d’histoire et théorie des arts dans les écoles d’art d’Angers et de Genève, Clovis Maillet est aussi artiste performeur·euse en duo avec Louise Hervé et médiéviste. Iel est l’auteur·ice du livre Les Genres fluides : de Jeanne d'Arc aux saintes trans (2020).

Lorsqu’Allen Ginsberg s’enregistre sur un magnétophone et capte fortuitement des émissions de radio, le souffle du vent et des conversations, des agents du FBI et de la CIA l’écoutent, à la recherche d’aveux involontaires. En considérant ces agents comme de sérieux théoriciens de la poésie, Lytle Shaw montre qu’ils s’inspirent des expérimentations d’avant-garde et transforment une technique libératrice en un outil répressif.

Lytle Shaw enseigne la littérature à l’Université de New York. Il a publié Frank O’Hara : The Poetics of Coterie en 2006 (University of Iowa Press) et Fieldworks : From Place to Site in Postwar Poetics en 2013 (University of Alabama). En 2021, est paru New Grounds for Dutch Landscape (OEI).

Un hôpital où un corps est connecté à un dispositif médical. Un pré faussement idyllique sous lequel grouillent des câbles. Des rivages où des formes oscillent entre ensevelissement et immersion. Dans Désolation, Verity Spott propose une poésie fantasmagorique entre narration, prose et dialogues. L’expression des sentiments bouleverse les attributions des pronoms personnels et les structures syntaxiques. Des identités changeantes prennent à partie les politiques d’austérité et les voix d’extrême droite. Livre de deuil et d’amour qui frôle la satire, Désolation travaille une écriture hybride où s’entrelacent la poésie lyrique, des images tirées de blockbusters et le langage des démagogues pour contrer les moules qui tenteraient de dicter la forme de nos chagrins.

Verity Spott vit à Brighton, écrit de la poésie et fait des performances. Ses derniers livres comprennent Click Away Close Door Say (Contraband Books, 2017) et le recueil de ses Coronelles (Veer Books, 2021).

Craig Owens (1950-1990) a bouleversé la théorie de l’art en une décennie d’intense travail. À la fin des années 1970, aux États-Unis, il s’engage dans l’aventure intellectuelle postmoderne, en quête d’alternatives à un discours moderniste cramponné aux problèmes formels. Owens se penche sur des pratiques artistiques conçues à la croisée des médiums, comme celles de Robert Smithson ou de Trisha Brown. Lecteur des philosophes poststructuralistes, il soutient que les oeuvres se composent de signes ouverts à l’interprétation. Owens place ainsi les spectateur·ices au premier plan, tout en apportant une inscription théorique inédite aux performances de Laurie Anderson et aux oeuvres postconceptuelles de Barbara Kruger, Cindy Sherman, Sherrie Levine ou Martha Rosler. Attentif au genre des artistes et inspiré par des réflexions sur le pouvoir du regard masculin, Owens écrit ensuite sur le féminisme et la domination. Ses essais prennent une tonalité sociale et politique. Ils touchent aussi à des questions ouvertes par les études postcoloniales. Autant de recherches interrompues par le sida, dont Owens meurt en 1990. 

Ce recueil, établi, introduit et traduit par Gaëtan Thomas, permet de suivre les expérimentations d’une oeuvre portée par une réflexivité exceptionnelle.

Gaëtan Thomas est historien (médialab Sciences Po, Paris). Il a établi le recueil Pictures: S’approprier la photographie, New York 1979-2014 (Le Point du Jour, 2016) qui rassemble des textes de Douglas Crimp.